Ci sono fotografi capaci di raccontare il mondo e altri che, attraverso l’obiettivo, sembrano volerlo ricostruire. Robert Mapplethorpe appartiene senza dubbio alla seconda categoria: nelle sue immagini il soggetto non è mai soltanto ciò che viene fotografato, ma diventa materia da plasmare attraverso luce, geometria, equilibrio e composizione.

ROBERT MAPPLETHORPE. LE FORME DELLA BELLEZZA, ospitata al Museo dell’Ara Pacis fino al 4 ottobre, rappresenta il capitolo conclusivo di un importante progetto espositivo che ha attraversato prima Venezia e poi Milano, arrivando a Roma con una selezione di circa 200 fotografie. La mostra, curata da Denis Curti e realizzata in collaborazione con la Robert Mapplethorpe Foundation di New York, concentra l’attenzione sulla ricerca della forma pura, mettendo sullo stesso piano il corpo umano, il volto, il fiore e la natura morta.

Ed è proprio questa apparente contraddizione a rendere affascinante il lavoro di Mapplethorpe: soggetti profondamente diversi vengono ricondotti a un medesimo principio estetico, quello della forma assoluta. Un approccio che trova nel rigore, nella misura, nell’equilibrio e nell’intensità alcuni dei valori propri della tradizione classica.

Le “sculture” di Mapplethorpe – la bellezza come costruzione della forma

Mapplethorpe non fotografa semplicemente i suoi soggetti: li costruisce.
La sua macchina fotografica diventa quasi uno scalpello capace di intervenire sulla realtà, semplificandola e trasformandola in qualcosa che sembra appartenere contemporaneamente alla fotografia e alla scultura.

È evidente nei celebri nudi, dove il corpo umano perde progressivamente la propria dimensione narrativa per diventare superficie, volume, tensione muscolare. Ma è altrettanto evidente nei fiori, nelle nature morte e nei ritratti, dove ogni elemento sembra occupare lo spazio secondo un ordine quasi matematico.

Il risultato è una fotografia estremamente controllata, nella quale nulla appare casuale. La luce definisce i volumi, le ombre costruiscono profondità, le geometrie determinano la composizione.

Eppure, dietro questa perfezione formale, rimane una forte componente emotiva. È proprio questa tensione tra rigore e desiderio, controllo e sensualità, perfezione e vulnerabilità a rendere il linguaggio di Mapplethorpe ancora così potente.

Il catalogo della mostra sottolinea del resto questa duplicità, descrivendo la sua parabola artistica come insieme sincera, vulnerabile e profondamente ambigua.

Le opere di Mapplethorpe: dai primi collage alle immagini che hanno fatto la storia

Il percorso espositivo sceglie di non cominciare dalle immagini più celebri, ma dalle prime sperimentazioni dell’artista: assemblaggi e collage tridimensionali costruiti attraverso immagini d’archivio, ritagli di riviste erotiche, feticci religiosi e oggetti quotidiani. Una scelta interessante perché consente di entrare progressivamente nel suo universo creativo, mostrando come quella ricerca estetica che raggiungerà una straordinaria maturità nelle fotografie successive sia nata anche dalla contaminazione, dalla provocazione e dalla volontà di mettere lo spettatore davanti a qualcosa di inatteso.

Da qui il percorso accompagna il visitatore attraverso alcuni dei nuclei fondamentali della produzione di Mapplethorpe: gli autoritratti, i ritratti delle celebrità, le fotografie dedicate alle sue muse e, naturalmente, la ricerca sul corpo e sulla natura.

Tra i volti più celebri compaiono Yoko Ono, Robert Rauschenberg, Donald Sutherland, Isabella Rossellini, Susan Sarandon, Tom of Finland e Keith Haring mentre un posto centrale è riservato a Patti Smith e Lisa Lyon, due figure diversissime ma entrambe fondamentali nella costruzione dell’immaginario dell’artista.

Patti Smith, Lisa Lyon e il corpo come materia nelle foto di Mapplthorpe

Il rapporto con Patti Smith rappresenta uno dei capitoli più intimi della mostra. Gli scatti realizzati fin dagli anni del Chelsea Hotel raccontano un rapporto che va oltre la semplice relazione tra fotografo e soggetto: amicizia, complicità e vicinanza diventano parte integrante dell’immagine.

Di segno completamente diverso è invece la ricerca sul corpo di Lisa Lyon, culturista e musa di Mapplethorpe, attraverso la quale l’artista porta all’estremo la propria riflessione sulla fisicità. Il corpo diventa così una materia da osservare, scomporre e ricomporre attraverso la luce. Non è più soltanto corpo umano, ma forma nello spazio.

Ed è proprio qui che la fotografia di Mapplethorpe comincia a dialogare con la scultura.

Mapplethorpe e l’antico: quando la fotografia incontra Roma

È qui che la tappa romana acquista una particolare identità. Il confronto con l’antico viene reso concreto dalla presenza in mostra di due opere provenienti dai Musei Capitolini: la Statua di Afrodite e la Statua di atleta. Le sculture instaurano un dialogo diretto con le fotografie, creando un cortocircuito tra due modi apparentemente lontanissimi di rappresentare il corpo.

La scelta della sede amplifica ulteriormente questo confronto. Il Museo dell’Ara Pacis non è infatti un semplice contenitore neutro, ma una cornice capace di aggiungere un ulteriore livello alla mostra. La classicità dell’architettura progettata da Richard Meier e la presenza dell’antico all’interno dello stesso complesso rendono particolarmente efficace il dialogo tra la ricerca di Mapplethorpe e la tradizione artistica italiana. È quasi come se la fotografia contemporanea venisse ricondotta alle proprie radici visive.

Il legame con l’Italia: da Capri a Napoli

Uno degli elementi che rendono la tappa romana particolarmente interessante è la presenza di contenuti pensati specificamente per questa sede. Sono esposte fotografie realizzate da Mapplethorpe durante i suoi soggiorni italiani, tra Capri e Napoli, legati anche all’invito del gallerista Lucio Amelio a partecipare a Terrae Motus, il grande progetto artistico nato dopo il terremoto dell’Irpinia del 1980.

Mapplethorpe aderì all’iniziativa insieme a numerosi protagonisti dell’arte contemporanea internazionale, tra cui Andy Warhol, Joseph Beuys, Enzo Cucchi, Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto, Robert Rauschenberg, Mario Schifano, Cy Twombly e Emilio Vedova. Questa sezione permette di scoprire un rapporto con l’Italia meno conosciuto e restituisce un artista capace di guardare al nostro Paese non soltanto attraverso i musei, ma attraverso le città, le piazze e i paesaggi.

È un passaggio importante perché dimostra come l’Italia non sia stata per Mapplethorpe soltanto un riferimento estetico, ma anche un luogo di esperienza e di confronto.

Un piccolo scrigno all’interno dell’Ara Pacis

Ed è proprio l’allestimento a rappresentare uno dei punti di forza della tappa romana. La mostra occupa gli spazi inferiori dell’Ara Pacis, quelli abitualmente destinati alle esposizioni temporanee, trasformandoli in una sorta di scrigno raccolto e progressivo: il percorso non svela immediatamente tutto, ma accompagna il visitatore attraverso le diverse fasi della ricerca di Mapplethorpe. La struttura espositiva, ben articolata, permette di passare gradualmente dai primi esperimenti alle immagini più iconiche, fino al confronto con l’antico e al rapporto con l’Italia.

È una successione che funziona soprattutto perché consente di comprendere Mapplethorpe non soltanto attraverso le fotografie più famose, ma attraverso l’evoluzione di un linguaggio. Anche rispetto alle precedenti tappe del progetto, da quanto riferito da visitatori che hanno avuto modo di vedere le esposizioni di Venezia e Milano, la versione romana sembra distinguersi per maggiore ampiezza e per una gestione più efficace del percorso. Un elemento che ha contribuito notevolmente alla riuscita della visita.

Unico aspetto dell’allestimento che penalizza in parte la fruizione, è la scelta di proteggere quasi tutte le fotografie con un vetro. Una soluzione evidentemente legata alla conservazione e alla sicurezza delle opere, ma che in questo caso entra talvolta in conflitto con l’illuminazione delle sale.

I riflessi rendono infatti alcune fotografie difficili da osservare frontalmente e, in determinati punti del percorso, costringono il visitatore a spostarsi lateralmente per riuscire a leggere completamente l’immagine.
È un peccato, soprattutto davanti a fotografie nelle quali la luce costituisce essa stessa parte essenziale dell’opera.
Probabilmente una diversa soluzione di protezione o un sistema di illuminazione maggiormente calibrato sulle superfici vetrate avrebbe consentito una fruizione ancora più efficace.
Una piccola imperfezione, tuttavia, all’interno di un progetto espositivo che nel complesso riesce a valorizzare molto bene la straordinaria qualità delle opere.

Le forme della bellezza, oltre la provocazione

Robert Mapplethorpe. Le forme della bellezza è, nel complesso, una mostra che convince proprio perché riesce a restituire la complessità di un artista spesso raccontato attraverso pochi stereotipi. Il corpo, il desiderio, l’erotismo, la celebrità, la natura e l’antico diventano capitoli diversi di una medesima ricerca: trasformare la realtà in forma.

La tappa romana aggiunge a questo racconto un elemento decisivo: il rapporto con l’Italia e con quella tradizione classica che sembra essere stata, per Mapplethorpe, non tanto un modello da imitare quanto un interlocutore con cui confrontarsi. E forse è proprio qui che la mostra trova la sua dimensione più riuscita: all’interno dell’Ara Pacis, tra fotografia contemporanea e memoria dell’antico, Mapplethorpe sembra tornare a parlare di una cosa antichissima attraverso uno dei linguaggi più moderni.

La bellezza cambia epoca, cambia corpo, cambia linguaggio. Ma continua a cercare la stessa forma.

https://www.arapacis.it/it/mostra-evento/robert-mapplethorpe-le-forme-della-bellezza